В нескольких словах
Педро Гомес-Эгана, колумбийский художник, рассказывает о своей жизни, творчестве и выставке в США. Художник делится своим видением адаптации и влияния войны на его поколение.
Колумбийский художник Педро Гомес-Эгана, чьи работы выставлялись по всему миру, откровенно рассказывает о своей жизни, творчестве и умении адаптироваться. В данный момент в США проходит его первая персональная выставка.
Педро Гомес-Эгана (Богота, 1976), выросший в Колумбии, мог бы стать выдающимся скрипачом, но его жизнь круто изменилась. Сегодня он — известный художник-концептуалист, чьи философские инсталляции, затрагивающие темы времени, повседневности и внимания, объездили весь мир. Его работы были представлены на таких престижных площадках, как Performa 13 в Нью-Йорке (2013), 15-я Стамбульская биеннале (2017) и 16-я Лионская биеннале (2022).
В настоящее время в Центре визуальных искусств MIT List в Кембридже (штат Массачусетс) проходит первая персональная выставка Гомес-Эгана в США, которая продлится до 25 июля. Сам художник считает, что одним из ключей к его успеху является способность к адаптации, присущая колумбийцам его поколения.
– Вы родились в Колумбии, но живете в Осло. Как произошел такой резкий поворот?
– Я уехал из Колумбии в 17 лет по стипендии в консерваторию в США. Но в 21 год получил травму, которая заставила меня отказаться от карьеры скрипача, к которой я готовился с шести лет. Моя идентичность тоже изменилась. Я поступил в Голдсмит-колледж в Лондоне, где изучал композицию и общался с художниками и танцорами, что привело меня к нынешней практике и географическому пребыванию в Европе. Затем мне порекомендовали продолжить учебу в Норвегии, где обучение было бесплатным и предоставлялась стипендия. Я получил докторскую степень в области визуальных искусств, а затем мне предложили стать профессором, сначала в Бергене, а затем в Осло, где я и остаюсь.
– Как изменилась ваша идентичность после стольких лет в Европе?
– У меня нет идентичности, привязанной к определенной территории, большую часть жизни я провел за пределами Колумбии. Когда я возвращаюсь, я чувствую, что все мои молекулы узнают воздух, место и музыку, и я возвращаюсь туда, где принадлежу, но культурно и с точки зрения кодов я не очень хорошо ориентируюсь в стране. Мне кажется, что в Колумбии существует токсичный национализм, с которым я не идентифицирую себя, хотя эта фрикция кажется мне интересной и стимулирующей. Я колумбиец 80-х и 90-х: для людей моего поколения адаптация — наша лучшая способность, способ быть в порядке во всем.
– Чувствуете ли вы себя иностранцем везде?
– Да, но мне это нравится, потому что это поддерживает меня в состоянии любопытства, что кажется мне интеллектуально и поэтически интересным. В постоянном процессе адаптации есть жизненная энергия.
– И, тем не менее, в 2018 году вы получили премию Mesoamérica за влияние на колумбийское искусство.
– Это было огромным сюрпризом, потому что я никогда не стремился выставлять традиционное колумбийское искусство, и я стал художником после отъезда из страны. Это было очень трогательное признание. Кроме того, первая ретроспектива моей карьеры также пройдет на моей родине. Я на седьмом небе от приглашения Музея современного искусства Медельина выставиться там в следующем году, потому что это еще и мое любимое культурное учреждение в Колумбии.
– Расскажите о The Great Learning, вашей первой персональной выставке в США.
– Это кульминация 10-летних бесед с куратором Натали Белл, которая давно следит за моим творчеством. Я назвал выставку The Great Learning (Великое обучение) в честь экспериментальной работы британского композитора Корнелиуса Кардью, в которой музыканты начинают с разных разрозненных тонов, пока не приходят к отчуждению. В моей выставке произведения также должны уравновешиваться, чтобы создать единое движение. Это хореографический жест, течение времени, танец с гравитацией и материальностью. Внутри своей абстракции она несет эмоциональную нагрузку, имеет привязанность. В то же время есть звуки, сопровождающие процесс. Например, то, что я называю Кордильера, — это записи в разных местах (одно из них — комната моих родителей в Колумбии). Эта музыкальность — способ почтить мое прошлое как композитора.
– Какова предпосылка центральной работы?
– Центральная часть — это вертикальная, фаллическая, монументальная, патриархальная медная структура, которая начинает падать и, падая, показывает свою патетическую и уязвимую сторону. Это лирический жест, чрезвычайно простое и сложное упражнение одновременно.
– Это инсталляции с большой политической нагрузкой.
– Да, потому что я углубляюсь в экономику внимания: насколько важно создавать пространства для привлечения внимания к определенному контенту и изображениям в таком ускоренном мире, где качество внимания постоянно снижается из-за скорости и поверхностности коммуникации. Сейчас, как никогда, нам нужны культурные практики, которые приглашают другие способы видения мира. Это политическая ответственность — как мы смотрим, на что обращаем внимание и с каким качеством.
– В какой степени ваша работа связана с нынешней социополитической ситуацией в мире?
– Очень и во многих отношениях. Я стараюсь, чтобы производство моих работ было устойчивым, устанавливаю личные отношения с местными людьми, которые будут участвовать в процессах установки. Но также создавать пространства для других художников с меньшими возможностями или ресурсами. Например, моя выставка в MIT была перенесена, чтобы несколько других художников смогли выставить свои работы. Упражнения мышления имеют решающее значение для прогресса как вида. Потому что знание обрабатывается и перерабатывается. Речь идет о создании связей в мире, которых раньше не существовало, о переосмыслении мира с творческим подходом к тому, что существует. Это тот тип мышления, который нам нужен.
